Nature Morta

Une nature morte est chacun d'art qui représente un sujet composé d'objets inanimés. Il est très sous Style nominale de la peinture, bien que ce sont les types les plus vendus d'art jamais. Populaire dans l'art occidental depuis le 17ème siècle, natures mortes, comme des fleurs ou des fruits, donner à l'artiste une plus grande liberté dans l'agencement des éléments de conception dans une composition à faire des peintures d'autres types de sujets tels que le paysage ou portrait.

natures mortes souvent ornent les murs de tombeaux égyptiens. On croyait que les denrées alimentaires et d'autres articles, il n'y aurait représenté, dans l'au-delà, devenir réel et disponibles pour une utilisation par le défunt. Peintures similaires, plus simplement décoratifs dans l'intention, ont également été trouvés dans les fresques romaines découverts à Pompéi et d'Herculanum. L'appréciation populaire de la nature morte comme une démonstration d'habileté de l'artiste est liée à l'ancienne légende grecque de Zeuxis et arrhasius.

Au Moyen Âge et à la Renaissance, la nature morte dans l'art occidental a été principalement utilisé comme un complément à des sujets religieux chrétiens. Cela était particulièrement vrai dans le travail d'artistes européens du Nord, dont la fascination avec réalisme optique très détaillé et le symbolisme déguisée les a conduits à une grande attention somptueuse sur la signification des divers accessoires et les réglages dans un message de leurs peintures »globale. Des peintres tels que Jan van Eyck souvent encore des éléments de la vie dans le cadre d'un programme iconographique si dense que les savants à ce jour sont encore à débattre de l'éventuelle signification symbolique de chaque fleur, bougie, ou la pierre.

nature morte entré dans sa propre dans le nouveau climat artistique des Pays-Bas au 17e siècle. Bien que les artistes ont trouvé des possibilités limitées pour produire de l'art religieux qui avait été longtemps leur aliment de base (images de sujets religieux étaient interdits dans l'Église protestante réformée hollandaise), la tradition continue Nord du réalisme détaillé et symboles cachés appel aux classes moyennes croissantes néerlandais, qui ont remplacé l'Eglise et de l'Etat que les clients principaux de l'art dans les Pays-Bas.

Particulièrement populaire à cette époque étaient des tableaux vanitas, dans lequel des arrangements somptueux de fruits et de fleurs, ou des tables de banquet somptueux avec argent fin et cristal, ont été accompagnés par des rappels symboliques de l'impermanence de la vie. Un crâne, une montre sablier ou une poche, une bougie brûle ou un livre avec tourner les pages, servirait un message moralisateur sur le caractère éphémère des plaisirs sensoriels. Souvent, quelques-uns des fruits savoureux et des fleurs elles-mêmes seraient montrés commencent à se gâter ou se fanent. La popularité des tableaux vanitas, et encore la vie en général, se répandit bientôt de Hollande en Flandre, en Espagne et en France.

L'aristocratie française du 18ème siècle a également employé des artistes d'exécuter des peintures de généreux et extravagant natures mortes, cette fois sans le message moraliste vanité de leurs prédécesseurs hollandais. L'amour rococo d'artifice a conduit à une augmentation de la satisfaction des trompe-l'œil (en français: "tromper l'oeil") peinture, une sorte de nature morte dans laquelle les objets sont représentés grandeur nature, sur un fond plat, dans une tentative de créer l'illusion de vrais objets en trois dimensions dans l'espace du spectateur.

Avec la montée des académies européennes, notamment l'Académie française qui a tenu un rôle central dans l'art académique, et leur approche formelle de la formation artistique, encore vie a commencé à tomber en disgrâce. Les académies enseignent la doctrine de la «hiérarchie des genres» (ou «Hiérarchie des Objet»), qui a estimé que le mérite artistique d'une peinture reposait principalement sur son sujet. Dans le système scolaire, la plus haute forme de la peinture se composait des images ayant une signification historique, biblique ou mythologique, avec des sujets de natures mortes relégué à l'ordre le plus bas de la reconnaissance artistique.

Il n'était pas jusqu'à ce que le déclin de la hiérarchie académique en Europe, et de la hausse des peintres impressionnistes et post-impressionnistes, qui ont insisté sur la technique et la conception sur l'objet, qui continuent de vie a été une fois de plus avidement pratiquée par des artistes. Henri Fantin-Latour est connu presque exclusivement pour ses natures mortes. Vincent van Gogh "Tournesols" sont quelques-uns des meilleurs du 19ème siècle connu natures mortes, et Paul Cézanne trouve dans la nature morte le véhicule parfait pour ses explorations révolutionnaires dans l'organisation spatiale géométrique.

En effet, les expériences de Cézanne peut être vu comme menant directement au développement de la nature morte cubiste au début du 20e siècle. Entre 1910 et 1920, les artistes cubistes comme Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris peint de nombreuses natures mortes, comprenant souvent des instruments de musique, ainsi que la création des premières synthétiques collages cubistes comme Picasso de «nature morte à la chaise cannée» (1912).

Artistes aux États-Unis, en grande partie débarrassé des restrictions universitaires sur l'objet, depuis longtemps trouvé un marché prêt pour la nature morte. Raphaelle Peale (1774-1825), fils aîné de l'ère révolutionnaire Willson Peale peintre Charles, fut le premier spécialiste américain nature morte, et a établi une tradition de la nature morte à Philadelphie qui a continué jusqu'à ce que le début du 20e siècle, lorsque des artistes comme William Harnett et John Frederick Peto gagné la renommée pour ses interprétations en trompe-l'œil de collections d'objets usés et de déchets de papier, qui affichent généralement accroché sur un mur ou une porte.

Quand les artistes américains du 20e siècle a pris connaissance du modernisme européen, ils ont commencé à interpréter natures mortes avec une combinaison de réalisme américain et cubiste dérivé abstraction. Typique des travaux américains natures mortes de cette période sont les peintures de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis, et Marsden Hartley, et les photographies d'Edward Weston.

Beaucoup Pop Art (comme Andy Warhol "Boîtes de soupe Campbell") est basé sur la nature morte, mais son véritable sujet est le plus souvent l'image marchandisation du produit commercial représenté plutôt que l'objet physique lui-même la vie encore. La montée du photoréalisme dans les années 1970 a réaffirmé la représentation illusionniste, tout en conservant certains de message de la pop de la fusion de l'objet, l'image et le produit commercial. Typique à cet égard sont les peintures de Don Eddy et Ralph Goings. Les œuvres d'Audrey Flack ajouter à ce mélange un message autobiographique féministe en matière de normes culturelles de la beauté féminine. Bien qu'ils abordent des thèmes contemporains, peintures Flack comprennent souvent des trompe-l'œil et des éléments de vanités et, de ce fait faisant référence à la tradition de vie encore de l'art occidental.